写真: 提供：自然史博物館

美術史に残る彫刻である、高さ 4 インチ強のこの小さな置物は、1908 年にオーストリアで発見されました。これがどのような役割を果たしたのかは誰も知りませんが、豊饒の女神からマスターベーションの補助までさまざまな推測がなされています。一部の学者は、これは女性が描いた自画像ではないかと示唆しています。これは、旧石器時代に遡る多くのそのような物体の中で最も有名です。

写真: 提供: CC/Wiki Media/Philip Pikart

この肖像画は、古代エジプト史上最も物議を醸したファラオ、アクエンアテンによって建設された首都アマルナの遺跡内で 1912 年に初めて発掘されて以来、女性の美の象徴となってきました。彼の女王ネフェルティティの生涯は謎に包まれています。彼女はアクエンアテンの死後、しばらくファラオとして統治したと考えられています。あるいは、少年王ツタンカーメンの共同摂政として統治していたと考えられています。エジプト学者の中には、彼女が実際にツタンカーメンの母親だったと信じている人もいます。この漆喰で覆われた石灰岩の胸像は、アクエンアテンの宮廷彫刻家トトメスの作品と考えられています。

写真: 提供: CC/ウィキメディア・コモンズ/マロス・ムラズ

1974 年に発見された兵馬俑は、紀元前 210 年に亡くなった中国の初代皇帝、始皇帝の墓の近くの 3 つの巨大な穴に埋められた粘土像の巨大な埋蔵地です。死後の世界で彼を守ることを目的とした陸軍は、ある推定では8,000人以上の兵士と670頭の馬と130台の戦車を擁していると考えられている。それぞれ等身大ですが、実際の身長は軍の階級によって異なります。

写真: 提供: CC/Wiki Media/LivioAndronico

おそらく古代ローマの最も有名な彫刻、ラオコーンとその息子たち最初は 1506 年にローマで発掘され、バチカンに移送され、今日までそこに保管されています。これは、トロイの木馬の策略を暴露しようとしたラオコーンの試みに対する報復として、海神ポセイドンによって送られた海蛇によってトロイの木馬の司祭が息子たちとともに殺されたという神話に基づいています。もともと皇帝ティトゥスの宮殿に設置されていたこの等身大の具象作品は、ロードス島出身のギリシャ彫刻家 3 人によるものとされており、人間の苦しみを研究したものとしては比類のないものです。

写真: 提供: CC/Wikimedia/Livioandronico2013

美術史上最も象徴的な作品の 1 つであるミケランジェロのダビデ像は、フィレンツェの大聖堂であるドゥオーモの控え壁を旧約聖書に登場する人物群で装飾するという大規模なプロジェクトから始まりました。のデビッドはその 1 つで、実際には 1464 年にアゴスティーノ ディ ドゥッチョによって始められました。次の 2 年間、アゴスティーノは、カラーラの有名な採石場から切り出された巨大な大理石のブロックの一部を荒削りすることに成功し、1466 年に停止しました。（その理由は誰も知りません。）別の芸術家がその余裕を取り戻しましたが、彼もまた、ただそれだけでした。簡単に取り組みました。この大理石は、ミケランジェロが 1501 年に彫刻を再開するまで、その後 25 年間手つかずのままでした。当時彼は 26 歳でした。完成時のダビデの重さは6トンで、大聖堂の屋根まで吊り上げることはできなかった。代わりに、フィレンツェの市庁舎であるヴェッキオ宮殿の入り口のすぐ外に展示されました。この人物は盛期ルネッサンス様式の最も純粋な蒸留品の一つであり、フィレンツェの民衆に即座に、それに対抗する勢力に対する都市国家自身の抵抗の象徴として受け入れられた。1873 年に、デビッドはアカデミア美術館に移され、レプリカが元の場所に設置されました。

写真: 提供: CC/Wiki Media/Alvesgaspar

高ローマ バロック様式の創始者として知られるジャン ロレンツォ ベルニーニは、サンタ マリア デッラ ヴィットーリア教会の礼拝堂のためにこの傑作を制作しました。バロックは、カトリック教会が 17 世紀のヨーロッパに押し寄せるプロテスタントの波を食い止めようとした反宗教改革と密接に結びついていました。ベルニーニのような芸術作品は、教皇の教義を再確認するプログラムの一部であり、宗教場面に劇的な物語を吹き込むというベルニーニの天才性がここでうまく機能しました。エクスタシーこの作品の主題であるアビラの聖テレサは、天使との出会いを記したスペインのカルメル会修道女で神秘家であり、まさに天使が彼女の心に矢を突き刺そうとしているところを描いています。エクスタシーのエロティックな含みは紛れもなく、修道女のオーガズムに満ちた表情と、両方の人物を包むうごめく布地に最も顕著に表れています。芸術家であると同時に建築家でもあるベルニーニは、大理石、漆喰、ペイントで礼拝堂の環境を設計しました。

写真: 提供: メトロポリタン美術館/フレッチャー基金

イタリアの芸術家アントニオ カノーヴァ (1757 ～ 1822 年) は、18 世紀の最も偉大な彫刻家とみなされています。彼の作品は、ギリシャ神話の英雄ペルセウスを大理石で表現したことからわかるように、新古典派のスタイルを体現しています。カノーヴァは実際にこの作品の 2 つのバージョンを作成しました。1 つはローマのバチカンに所蔵され、もう 1 つはメトロポリタン美術館のヨーロッパ彫刻裁判所に展示されています。

写真: メトロポリタン美術館

印象派の巨匠エドガー・ドガは画家として最もよく知られていますが、彫刻でも活動し、おそらく彼の作品の中で最も過激な作品を制作しました。ドガのファッション14歳の小さなダンサーこの作品は蝋で作られていますが（1917 年の彼の死後、その後の青銅版が鋳造されました）、ドガが自分の名を冠した主題に実際のバレエ衣装（胴着、チュチュ、スリッパを備えたもの）と本物の髪のかつらを着せたという事実は、センセーションを巻き起こしました。踊り子1881年にパリで開催された第6回印象派展でデビュー。ドガは、少女の残りの特徴に合わせてほとんどの装飾をワックスで覆うことにしましたが、チュチュと髪を後ろで結んだリボンはそのままにして、この像をファウンドオブジェクトの最初の例の1つとしました。美術。踊り子これはドガが生涯に展示した唯一の彫刻でした。彼の死後、さらに約 156 体が彼のスタジオで放置されているのが発見されました。

写真: 提供: フィラデルフィア美術館

ほとんどの人はフランスの偉大な彫刻家オーギュスト・ロダンを連想しますが、思想家、イギリスとフランスの間の百年戦争 (1337 ～ 1453 年) 中の事件を記念したこのアンサンブルは、彫刻の歴史にとってより重要です。カレー市の公園の建設を依頼されました（1346年にイギリス人による1年間にわたる包囲は、町の長老6人が住民の救済と引き換えに処刑に身を差し出したことで解除されました）。バーガーズロダンは、当時の記念碑に典型的な形式を避けました。人物を孤立させたり、高い台座の上にピラミッド状に積み上げたりする代わりに、ロダンは等身大の主題を地面に直接、鑑賞者と同じ高さに集めました。リアリズムへのこの急進的な動きは、そのような屋外作品に通常与えられる英雄的な扱いを打破しました。とバーガーズ, ロダンは近代彫刻への第一歩を踏み出しました。

写真: 提供: CC/Flickr/Wally Gobetz

1912 年、ピカソは 20 世紀の芸術に大きな影響を与える作品のボール紙のマケットを作成しました。また、MoMA のコレクションには、ピカソが絵画やコラージュでしばしば探求した主題であるギターが描かれており、多くの点で、ギターコラージュのカットアンドペースト技術を二次元から三次元に移しました。キュビスムでも同様に、平面的な形状を組み合わせて、奥行きとボリュームのある多面的なフォルムを作り出しました。ピカソの革新は、固体の塊から彫刻を彫刻する従来の彫刻とモデリングを回避することでした。その代わり、ギター構造物のように固定されていました。この考え方は、ロシア構成主義からミニマリズム、さらにはその先まで影響を及ぼします。作ってから２年後、ギターピカソは段ボールでこのバージョンを切り取った缶で作成しました

写真: メトロポリタン美術館

イタリア未来派は、その急進的な始まりからファシストの最終形態に至るまで、世界に衝撃を与えましたが、その代表的人物の一人であるウンベルト・ボッチョーニによるこの彫刻ほど、この運動の純粋な錯乱を体現した作品はありませんでした。画家としてスタートしたボッチョーニは、1913 年にパリを訪れ、コンスタンタン ブランクーシ、レイモン デュシャン ヴィヨン、アレクサンダー アルキペンコなど、当時の前衛的な彫刻家のスタジオを見学した後、立体の制作に転向しました。ボッチョーニは、彼らのアイデアをこのダイナミックな傑作に統合しました。この傑作は、ボッチョーニが表現したように、動きの「合成的連続性」の中で闊歩する人物を描いています。この作品はもともと石膏で制作され、第一次世界大戦中にイタリア砲兵連隊の一員として芸術家が 1916 年に亡くなったかなり後の 1931 年まで、よく知られたブロンズ版に鋳造されました。

写真: 提供: CC/Flickr/Steve Guttman NYC

ルーマニア生まれのブランクーシは、20 世紀初頭のモダニズムで最も重要な彫刻家の 1 人であり、実際、彫刻の歴史全体で最も重要な人物の 1 人です。一種の原始ミニマリストであるブランクーシは、自然から形を取り、それを抽象的な表現に合理化しました。彼のスタイルは、鮮やかな幾何学模様や様式化されたモチーフを特徴とする祖国の民俗芸術の影響を受けています。彼はまた、オブジェクトとベースを区別せず、場合によっては交換可能なコンポーネントとして扱いました。これは、彫刻の伝統との決定的な決別を表すアプローチでした。この象徴的な作品は、1910 年にパリで出会ったハンガリー人の美術学生、モデルであり恋人のマルギット ポガニーの肖像画です。最初の反復は大理石に彫刻され、次に石膏のコピーからこのブロンズが作られました。石膏自体は、1913 年の伝説的なアーモリー ショーでニューヨークで展示され、批評家から嘲笑され、辱められました。しかし、それはショーで最も再現された作品でもありました。ブランクーシはさまざまなバージョンの作品に取り組みましたポガニー村約20年間。

写真：提供：ニューヨーク近代美術館

自転車の車輪デュシャンの革命的なレディメイドの最初のものと考えられています。しかし、パリのスタジオでこの作品を完成させたとき、彼はそれを何と呼ぶべきか全く分かりませんでした。「自転車の車輪をキッチンのスツールに固定して、それが回転するのを観察するという楽しいアイデアを思いつきました」とデュシャンは後に語った。デュシャンがこのレディメイドという言葉を思いつくには、1915 年にニューヨークを旅行し、ニューヨークの膨大な量の工場生産品に触れることを要しました。さらに重要なことは、工業化時代において伝統的な手作りの方法で芸術作品を作ることは無意味であると彼が気づき始めたことです。広く入手可能な工業製品で十分に機能するのに、なぜわざわざそんなことをする必要はない、と彼は主張した。デュシャンにとって、アートワークの背後にあるアイデアは、それがどのように作られたかよりも重要でした。この概念は、おそらくコンセプチュアル アートの最初の実際の例であり、今後の美術史を完全に変えることになるでしょう。通常の家庭用品とほとんど同じですが、オリジナルは自転車の車輪生き残れませんでした: このバージョンは実際には 1951 年に作られたレプリカです。

写真: ホイットニー美術館、© 2019 Calder Foundation、ニューヨーク/Artists Rights Society (ARS)、ニューヨーク

ホイットニー美術館の常設コレクションで愛されている、カルダーズ サーカスアレクサンダー カルダー (1898 ～ 1976 年) が 20 世紀の彫刻の形成に貢献した芸術家としてもたらした遊び心のあるエッセンスを抽出しています。サーカスアーティストがパリに滞在していた間に制作されたこの作品は、吊り下げられた「モビール」ほど抽象的ではありませんでしたが、それはそれで同じように躍動感がありました。主にワイヤーと木で作られ、サーカス即興パフォーマンスの中心として機能し、コールダーは曲芸師、剣を飲み込む者、ライオン使いなどを描いたさまざまな人物の周りを神のような団長のように動き回りました。

写真: 提供: J. ポール ゲッティ美術館

彫刻家であると同時に画家、タペストリーのデザイナーでもあるフランス人芸術家アリスティド マイヨール (1861 ～ 1944 年) は、伝統的なギリシャ ローマの彫像に 20 世紀の合理的なひねりを加えた現代の新古典主義者として最もよく説明できます。彼は急進的な保守主義者とも言えますが、ピカソのような前衛的な同時代人ですら、第一次世界大戦後に新古典主義のスタイルを取り入れた作品を制作したことを忘れてはなりません。マイヨールの主題は女性のヌードでした。レール、彼は、主題の物質的な質量と、彼女が空間に浮かんでいるように見える方法との間にコントラストを作成し、いわば、永続的な身体性と儚い存在感のバランスをとりました。

写真: 提供: CC/Flickr/C-Monster

複数の媒体で活動する日本人アーティスト、草間さんは 1957 年にニューヨークに来て、1972 年に帰国しました。その間、彼女はダウンタウンのシーンの主要人物としての地位を確立し、そのアートはポップアート、ミニマリズムなど多くの層に影響を与えました。そしてパフォーマンスアート。彼女は女性のセクシュアリティに言及することが多かった女性アーティストであり、フェミニスト アートの先駆者でもありました。草間の作品は、幻覚を引き起こすパターンや形式の反復によって特徴づけられることが多く、これは彼女が幼少期から苦しんできた幻覚や強迫性障害といった特定の心理的状態に根ざした性癖である。クスマの芸術と人生のこれらすべての側面がこの作品に反映されており、この作品では、普通の布張りの安楽椅子が、縫い合わせられた布地で作られた男根の突起が疫病のように蔓延することで不安を感じるほど埋め込まれています。

写真: ホイットニー美術館、ニューヨーク、© 2019 Estate of Marisol/Albright-Knox Art Gallery/Artists Rights Society (ARS)、ニューヨーク

単にファーストネームで知られるマリソル エスコバル (1930 ～ 2016) は、ベネズエラ人の両親のもと、パリで生まれました。アーティストとして、彼女はポップ アート、その後オプ アートと関連付けられるようになりましたが、文体的にはどちらのグループにも属していませんでした。代わりに、彼女は性別役割、有名人、富に対するフェミニスト風刺を意図した比喩的なタブローを作成しました。で女性と犬彼女は女性の客体化と、男性が課した女性らしさの基準が女性たちを強制的に同調させるために利用される方法を取り上げている。

写真: 提供: CC/Flickr/Rocor

ブリーロ ボックスは、ウォーホルが 60 年代半ばに作成した一連の彫刻作品の中でおそらく最もよく知られており、ポップ カルチャーの調査を効果的に 3 次元に展開しました。ウォーホルが自分のスタジオに付けた名前の通り、「工場」という名前の通り、芸術家は大工を雇って一種の組み立てライン作業をさせ、ハインツ・ケチャップ、ケロッグのコーンフレーク、キャンベルスープなど、さまざまな製品のカートンの形に木箱を釘で打ち付けた。さて、ブリロの石鹸パッド。次に、各ボックスをオリジナルと一致する色 (Brillo の場合は白) で塗装し、シルクスクリーンで製品名とロゴを追加しました。複数のボックスが作成され、多くの場合、大きな積み重ねで展示され、それらが展示されているギャラリーを効果的に倉庫の高文化的な複製に変えました。その形状と連続生産は、おそらく当時初期のミニマリスト スタイルへのうなずき、またはパロディでした。しかし、本当のポイントは、ブリーロボックスそれは、製造品とアーティストのスタジオからの作品の間に実際の違いがないことを暗示することで、本物に近づけることが芸術的な慣習をどのように覆すかということです。

写真: 提供: CC/Flickr/Esther Westerveld

ドナルド ジャッドの名前は、モダニズムの合理主義的傾向を必要最小限にまで蒸留した 60 年代半ばの運動であるミニマル アートの同義語です。ジャッドにとって、彫刻とは、空間における作品の具体的な存在を明確にすることを意味しました。このアイデアは「特定のオブジェクト」という言葉で説明され、他のミニマリストもそれを受け入れましたが、ジャッドは箱を彼の特徴的な形式として採用することで、おそらくこのアイデアに最も純粋な表現を与えました。ウォーホルと同様に、彼は工業製造から借用した材料と方法を使用して、それらを繰り返しユニットとして作成しました。ウォーホルのスープ缶やマリリンとは異なり、ジャッドの芸術はそれ自体の外側には何も言及しませんでした。彼の「スタック」は、彼の最も有名な作品の 1 つです。それぞれは、亜鉛メッキの板金で作られた同じように浅い箱のグループで構成されており、壁から突き出て等間隔の要素の列を作成します。しかし、画家としてスタートしたジャッドは、形と同じくらい色や質感にも興味を持っていました。これは、各ボックスの前面に塗布された緑色がかった車体ラッカーに見られます。ジャッドの色と素材の相互作用により、無題 (スタック)抽象的な絶対主義を和らげる、気難しいエレガンス。

写真: 提供: CC/Flickr/Rocor

ベングリスと同様、ヘッセはおそらくフェミニストのプリズムを通してポストミニマリズムを濾過した女性アーティストでした。幼少期にナチスドイツから逃れてきたユダヤ人である彼女は、有機的なフォルムを探求し、工業用グラスファイバー、ラテックス、ロープで皮膚や肉、性器や体の他の部分を想起させる作品を制作した。彼女の背景を考えると、このような作品の中にトラウマや不安の底流を見つけたくなる誘惑に駆られます。

写真：提供：ニューヨーク近代美術館

ジャッドとフラヴィンに続いて、アーティストのグループがミニマリズムのすっきりとしたラインの美学から逸脱しました。このポストミニマリスト世代の一員として、リチャード・セラは特定の物体の概念を強化し、その規模と重量を大幅に拡大し、重力の法則をその概念に統合しました。彼は、何トンもの重さの鋼板や鉛の板とパイプを不安定にバランスさせながら作業を行い、それが作品に脅威の感覚を与える効果をもたらしました。（セラの作品を設置していたリガーが、作品が誤って崩壊して死亡または重傷を負ったことが2度ありました。）ここ数十年、セラの作品は洗練された曲線を採用しており、そのおかげで絶大な人気を博していますが、初期の段階では、ワントン・プロップ（ハウス）のような作品が主流でした。 of Cards) は、4 枚の鉛板を並べて配置したもので、彼の懸念を残忍な率直さで伝えました。

写真: 提供: CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

1960 年代から 1970 年代にかけての一般的なカウンターカルチャーの流れを受けて、アーティストたちはギャラリー世界の商業主義に反乱を起こし始め、アースワークのような根本的に新しい芸術形式を開発しました。ランド アートとしても知られるこのジャンルの主導者はロバート スミッソン (1938 ～ 1973 年) でした。彼はマイケル ハイザー、ウォルター デ マリア、ジェームズ タレルなどの芸術家とともに、米国西部の砂漠に足を踏み入れ、記念碑的な作品を制作しました。周囲と協調して行動した。このサイトスペシフィックなアプローチは、そう呼ばれるようになり、多くの場合、風景から直接採取した素材を使用しました。スミッソンの場合もそうだスパイラル桟橋、湖の北東岸のローゼルポイントからユタ州のグレートソルト湖に突き出ています。現地で採取した泥、塩の結晶、玄武岩で作られており、スパイラル桟橋対策1,500×15フィート。2000 年代初頭の干ばつにより再び湖面に姿を現すまで、数十年間湖の下に沈んでいました。2017年には、スパイラル桟橋はユタ州の公式アートワークに選ばれました。

写真: 提供: CC/ウィキメディア・コモンズ/FLICKR/ピエール・メティヴィエ

フランス生まれのアーティストの代表作、クモこの作品は、ブルジョワ (1911 ～ 2010 年) がすでに 80 代になっていた 1990 年代半ばに作成されました。記念碑的なものも含め、さまざまな規模の多数のバージョンが存在します。クモこれは、タペストリーの修復者である芸術家の母親へのオマージュを意味しています（したがって、蜘蛛の巣を紡ぐ性質をほのめかしています）。

シャッターストック

1994 年に名誉あるターナー賞を受賞したアントニー ゴームリーは、英国で最も有名な現代彫刻家の 1 人ですが、スケールとスタイルの幅広いバリエーションに基づいた比喩芸術に対する独特の解釈でも世界中で知られています。ほとんどの場合、同じテンプレート上にあります。アーティスト自身の体のキャストです。イングランド北東部のゲーツヘッドの町の近くにあるこの巨大な翼の記念碑もそうです。主要幹線道路沿いに立地しており、天使高さは66フィートに達し、翼端から翼端までの幅は177フィートに及びます。ゴームリー氏によれば、この作品は英国の産業の過去（この彫刻は産業革命の中心地である英国の石炭国に位置している）と産業革命後の未来との間の一種の象徴的な目印を意味しているという。

提供: CC/Flickr/リチャード・ハウ

曲がった楕円体の形から、シカゴ人から愛情を込めて「ザ・ビーン」と呼ばれています。クラウドゲート, アニッシュ・カプーアによるセカンドシティのミレニアムパークのパブリックアートの目玉は、芸術作品と建築の両方であり、日曜のベビーカーや公園を訪れる他の訪問者にインスタ映えするアーチ道を提供しています。鏡面仕上げのスチールから製造されており、クラウドゲートの楽しい家の反射性と大規模な作品は、カプールの最も有名な作品になっています。

アーティストとグリーン・ナフタリ（ニューヨーク）の厚意により提供

レイチェル・ハリソンの作品は、完璧な形式主義と、一見抽象的な要素に政治的な意味を含む複数の意味を吹き込むコツを組み合わせています。彼女は記念碑的なものと、それに伴う男性的な特権について激しく疑問を抱いています。ハリソンは、彫刻の大部分を、発泡スチロールのブロックまたはスラブを積み上げて並べてから、セメントと絵画的な装飾の組み合わせでそれらを覆うことによって作成します。一番上のチェリーは、単独で、あるいは他のものと組み合わせた、ある種のファウンド・オブジェクトです。代表的な例は、絵の具が飛び散った細長いフォルムの上に置かれたこのマネキンです。マントをかぶり、後ろ向きのエイブラハム リンカーンのマスクをかぶったこの作品は、ピエロ色の岩の上にそびえ立つ古代世界の征服者を想起させ、歴史の偉人論を提起しています。